Tunique ethnique, bracelets, plumes et cheveux longs : dans sa tenue comme dans sa manière d’être sur scène, Anouk Aiata a tout, ou presque, d’une grande prêtresse inca, ou vaudoux. Une véritable présence qui envahi la scène, presque trop petite pour accueillir son trop plein d’énergie. Car Anouk Aiata en concert, ce ne sont pas seulement des chansons enchaînées les unes à la suite des autres, mais des dialogues avec le public et de l’humour pour sortir du cadre trop fermé d’un concert classique.

Si l’on devait décrire le concert de cette artiste en un seul mot ? Impossible. Les styles de musiques, de paroles, les univers et les langues se mélangent et à la fin du show, on a l’impression d’avoir voyagé à travers le monde entier. En une heure de concert, les spectateurs ont eu le droit à des airs de country, de la guitare acoustique, des musiques orientales ou encore des rythmes rocks ou jazzy… Bref un joyeux mélange qui déboussole le spectateur (à chacun de voir s’il apprécie ou non), mais qui fonctionne car totalement en accord avec l’univers de la jeune femme. Comme vous pourrez le constater dans l’échange que nous avons eu avec elle.

Absolute Zone : Pourquoi as-tu choisis de te lancer dans la musique ?
Anouk Aiata : Je n’ai pas choisi : j’ai été aspirée par la musique, c’était une vocation, une évidence pour moi. J’ai commencé à l’âge de 15 ans en jouant du rock, puis je me suis tournée vers le jazz, notamment grâce à mon comparse Amos Mâh qui est un grand amateur de jazz.

AZ : Où vas-tu chercher tes influences ?
AA : Un peu partout ! Je m’inspire beaucoup des musiques du monde, résultat, je fais de la chanson française du monde ! Un concept étonnant mais qui décrit bien ma musique.

AZ : Et parmi les artistes qui t’inspirent, on retrouve ?
AA : Pareil, un peu de tout. En vrac et pour ne citer qu’eux : Björk, Elsa Fitzgerald, Nancy Sinatra, Fiona Apple, Jamie Cullum, et puis bien sûr Barbara, Dalida…

AZ : Tu envisages de faire des duos pour tes prochains projets ?
AA : Oui, c’est quelque chose que j’aimerais beaucoup, mais pour l’instant rien n’est fait.

AZ : Tu chantes en français, en anglais… Tu as une préférence ?
AA : Pas vraiment ! J’ai longtemps écris en anglais parce que pour moi c’était plus facile. Quand tu chantes en anglais, tout de suite, ça sonne mieux ! Aujourd’hui, j’écris en français. C’est plus difficile, mais ça m’apporte tellement plus de plaisir et de fierté que ça vaut le coup ! Après, pour ce qui est de chanter, je mélange tout. J’ai déjà chanté en français, anglais, arabe, javanais…

AZ : Est-ce qu’il y a un endroit où tu rêves de te produire ?
AA : L’année dernière, on a eu la chance de jouer à l’Olympia en première partie de Marc Lavoine, et c’était déjà génial. Après il y a des endroits comme les Bouches du Nord ou les Arènes de Nîmes où j’aimerais beaucoup me produire. Ou encore dans certaines églises, pour l’acoustique.

AZ : Est-ce que tu cherches à faire passer un message à travers ta musique ?
AA : Non, je n’ai pas cette prétention. Mais je mets beaucoup d’émotion dans ma musique : mon objectif, c’est de toucher les cœurs !

AZ : Et pour finir, si tu devais te décrire en trois mots ?
AA : C’est une question piège ça… Je dirais plusieurs, échange et amour : un truc de Hippie quoi !

Loun Aiata

Absolute Zone: Ce 1er album est album très acoustique dans l’ensemble, ça tranche un peu avec la scène musicale en ce moment, très electro et là pas du tout, au contraire beaucoup d’instruments assez « traditionnels » guitares accoustiques, violons, xylophones et puis des harmonies vocales…  Il y a un côté symphonique dans la forme, mais en même temps ça fait penser à  Grizzly Bear, Fleet Foxes,  ou encore Big Star (pour les parties de guitare accoustique)… T’as eu des influences particulières, qu’on peut percevoir dans l’album ?

Mermonte: Au début j’avais cet objectif de mêler la musique minimale, Steve Reich, Philipp Glass etc…  avec du math-rock. Mais bon je suis pas le premier hein, Grizzly Bear justement, Sufjan Stevens. Pour les instruments, c’est parti d’influences comme les Beatles, les Beach Boys, qui orchestrent et arrangent souvent leurs morceaux, cette technique de production s’est un peu perdue. C’est vrai que pour pas mal de groupes actuels, les mecs ils sont trois, utilisent mille synthés, et forcément c’est pas le même son qu’une formation de dix musiciens. Cela dit je critique absolument pas hein, j’en écoute beaucoup de ces groupes. Après il y a une question de budget, c’est vrai. Avec Mermonte on a pris notre temps pour arriver à ce résultat.

AZ: Mermonte est donc ton projet, tu a enregistré toute les chansons de l’album ?
M: Un jour un pote guitariste me propose un peu pour déconner d’enregistrer un album dans son studio.  Je tournais déjà beaucoup avec mon autre groupe, Fago Sepia, on faisait du math rock pur, et j’avais envie d’y ajouter des sonorités pop, je composais des chansons dans mon coin depuis longtemps. Mermonte c’était pas du sérieux à la base, c’était plus pour s’amuser. Certaine compositions comme « We’re On The Same Way » ou « David le Merle »  datent d’au moins 8 ans.

AZ: À l’époque tu avais une idée de ce que ça allait donner avec une dizaine d’instruments par dessus ?
M: Pas du tout ! J’ai fait avec les musiciens que je connaissais, c’est à dire mes amis. On se connait tous depuis longtemps dans le groupe, tous les membres ont d’autres projets entre eux ou avec d’autres personnes. C’est surtout venu en fonction des potes et des instruments qu’il jouaient, ça s’est fait comme ça. On a testé tout ça sur scène pour voir comment ça sonnerait, et fait les arrangements nécessaires avant d’enregistrer le disque. Mais chacun a son rôle au sein de Mermonte, tout le monde propose des trucs en studio, c’est aussi comme ça qu’on marche, même si c’est mon projet, je compose tout et les autres me font confiance. Ça va au delà de l’aspect musical même, puisque c’est nous qui organisons les tournées, la com’, tout ça…

AZ: Le peu de voix présentes sont floues, on ne comprend pas bien les paroles, c’est voulu ?
M: Ma volonté au départ c’était que les paroles sonnent bien, c’est tout. Je n’ai pas cherché à leur donner un sens particulier, en fait je m’en fichais complètement. Mon approche c’était d’utiliser la voix comme n’importe quel instrument. Les syllabes, le rythme, il fallait que ça soit au service de l’harmonie, rien de plus.

AZ: On m’a beaucoup parlé du premier concert au Jardin Moderne, qui a en quelque sorte lancé le groupe…
M: On était assez nerveux, la salle nous a proposé une résidence alors qu’on avait qu’une dizaine de répétitions derrière nous. J’avais particulièrement la trouille étant donné que c’était mon projet qu’on allait présenter. Et on s’est retrouvé avec une salle blindée, nous qui étions habitués à jouer devant 10 personnes avec nos autres groupes respectifs. Au final le concert s’est super bien passé, c’est là que ça a vraiment débuté, on a joué la bas mardi dernier, un an après… C’était en quelque sorte l’anniversaire de Mermonte, un moment particulier.

AZ: Débuts 2012, premières répets, il s’est passé pas mal de choses depuis, c’est allé très vite, Inrocks Lab, Jeunes Charrues, Trans… Comment ça se fait ?
M: En fait c’est simple, on a eu un bol fou. Les morceaux ont été mis en ligne, on les a envoyés un peu partout, sans penser que ça allait marcher. Et donc surprise, très tôt les Inrocks, Magic, Telerama commencent commencent à en parler, relayer. Et voilà un an après, on a tourné en Belgique, en Suisse, au Danemark, pas mal sillonné la France, dans des super conditions la plupart du temps. Du coup on est constamment sur la route et ça se passe plutôt… très bien. Tous ces concerts nous ont permis de roder nos chansons et notre jeu de scène, on est beaucoup moins nerveux qu’avant.

AZ: Avec Mermonte tu rencontre un plus grand succès qu’avec tes autres projets ?
M: Oui, complètement, avec Fago Sepia par exemple ça restait assez alternatif, même si on a fait le tour du monde, c’était plus destiné à un public de musiciens, de connaisseurs. On continue à tourner au Japon et en Angleterre d’ailleurs, mais moins régulièrement. Avec Mermonte, je voulais propose quelque chose de plus accessible, un univers pop dans lequel les gens se reconnaîtraient d’avantage. Je fais de la musique depuis que j’ai 15 piges, et j’avais jamais joué devant autant de personnes, c’est un peu une consécration, on commence à réaliser ce qui se passe.

AZ: Qu’est ce que tu penses de la scène rennaise, avec beaucoup de groupes plutôt différents qui sortent de l’anonymat, Juveniles ,O Safari, Wankin Noodles, Manceau, tout ça…
M: Là on voit arriver un renouveau je pense, après une longue traversée du désert quand même… Il y a 3/4 ans, y avait rien à Rennes. Il y’a eu un creux énorme entre l’apogée de la scène rennaise, dans les années 90, l’époque des Tontons Flingueurs (café concert mythique de la ville qui a vu émerger la scène punk dans les années 90, fermé en 1998), et le mouvement math rock de 2000 à 2005. Et puis après plus rien, jusqu’à maintenant, ça devient un vivier de bons groupes pop, folk, new wave aussi, ç’est vraiment intéressant, ça repart…

AZ: D’ou vient le nom Mermonte ?
M: Gustave Mermonte est un pianiste de jazz français des années 50/60. Il a tourné avec Miles Davis, John Coltrane. Le gars n’a jamais rencontré aucun succès, personne ne le connait, et j’étais persuadé que ça allait être le cas avec ce groupe, c’est pour ça que je lui ai donné ce nom. Pour les titres des chansons, vu qu’il n’y a pas de chant, donc pas de paroles la plupart du temps, c’est vraiment en fonction de ce qui me passe par la tête, « David Le Merle » ou « Filtz » par exemple. Pour le deuxième album ça sera des noms de potes…

AZ: Justement, où en est il le deuxième album ?
M: Les chansons sont composées, y a plus qu’à, comme on dit…. Le premier album était comme une compilation de tout ce que j’avais fait depuis huit ans, le deuxième va prendre moins de temps, ça sera plus facile, j’aurais plus de moyens à disposition pour pouvoir expérimenter.  Les chansons seront surement plus longues. Je pense qu’il y aura d’avantage de vents, moins de cordes, et une énergie un peu punk.  Plus de chant aussi, j’ai très envie de travailler les harmonies, de m’y coller à fond.  On recherche a créer quelque chose plus ouvert sur les autres styles musicaux…

propos recueillis à Rennes par Léo Ferté

9H45: Devant le Grand Rex, une trentaine de personnes fait déjà la queue sous un soleil radieux. Le marathon commence à 13 heures mais les portes devraient s’ouvrir aux alentours de 11h30. Je ne devrais pas attendre debout trop longtemps ! Parmi les premiers arrivés : une jeune femme dont les yeux sont maquillés aux couleurs d’Iron Man. Elle téléphone à son ami pour lui demander de lui ramener un café (de Starbuck de préférence). Derrière elle, deux personnes déplient leurs tabourets et commencent à lire des comics. Autant patienter assis !

10h30: La file d’attente s’agrandit peu à peu. Certaines personnes retrouvent leurs amis et de petits groupes se forment. Au centre des discussions : l’avant-première d’Iron Man 3 qui débutera dans… 11 heures !

11h20: La queue s’étend maintenant sur plus de 200 mètres. Des amis me rejoignent et je leur indique la présence d’une cosplayeuse déguisée en Veuve Noire. Quelques minutes plus tard, un employé du Grand Rex nous informe que les boissons chaudes et autres Big Mac sont interdits dans la salle. Pas de doute, les portes vont bientôt s’ouvrir !

11h35: Les premiers arrivés commencent à rentrer. Après cinq petites minutes, c’est à notre tour de découvrir l’intérieur rouge et or du Grand Rex. Un ouvreur nous demande nos tickets et nous empruntons le premier, puis le second escalator qui nous amène à l’entrée du balcon. Les portes d’entrée de la salle sont grandes ouvertes mais certaines personnes s’attardent déjà sur le stand des snack et des goodies ! De notre côté, nous nous précipitons vers les portes afin de trouver les meilleures places possible. Pendant le marathon, les films seront projetés en Ecran Large. Un écran géant se déroulera et c’est pour cette raison que le public n’a pas accès aux sièges du rez-de-chaussée. Pour profiter du spectacle, rien de tel que d’être assis en hauteur dans cette immense salle superbement décorée de petites maisonnettes perchées sur chaque mur ! Nous sommes maintenant assis. Plus qu’une heure d’attente !

12h40: Tout en haut de la salle, une jeune femme déguisée en Loki (les cornes de bouc avec) fait son show. L’impatience grandit jusqu’à ce que Monsieur Rex entre en scène. Il commence par chauffer la salle puis nous informe du programme de la journée. Tous les films seront en anglais sous-titrés français et Iron Man 3 sera diffusé en 3D, à la demande de Marvel. Dix minutes plus tard, l’écran géant se déroule et les spectateurs découvrent la bande d’annonce de The Wolverine. De nombreuses acclamations plus tard, le marathon commence enfin !

13h00: Je ne suis pas surpris : la majorité du public a déjà vu Iron Man. A chaque scène décisive, c’est un tonnerre d’applaudissements et de hurlements qui secoue la salle du Grand Rex. Cette après-midi, mes yeux ne seront pas les seuls à souffrir ! L’enthousiasme des spectateurs me donne des ailes, je me mets aussi à brailler joyeusement.

15h05: C’est la fin d’Iron Man ! Nous disposons de 30 minutes de pause. Certains spectateurs laissent leurs affaires sur leur fauteuil et sortent prendre l’air, munis de leurs tickets. Pour ma part, ce sera un aller retour au McDo ! Je retrouve ensuite mes amis à l’intérieur de la salle.

15h30: Cette fois-ci, nous avons le droit à la bande d’annonce de Superman – Man of Steel. Toutes les personnes ne sont pas encore rentrées dans la salle, mais le niveau de décibel est déjà considérable ! Place maintenant à Iron-Man 2… Sans surprise, la première apparition de Tony Stark déclenche une vague d’hurlements dans la salle. L’ambiance est tout bonnement incroyable ! Une heure et demie plus tard, Scarlett Johansson se retrouve en soutien gorge dans une voiture. Le chant mélodieux des grognements masculins s’élève dans la salle.

17h30: Seconde pause ! Je commence à fatiguer et je me dis qu’un bon paquet de chips me donnera un peu de force. Les stands et les toilettes sont bourrés de monde. La demi-heure de pause passe on ne peut plus vite.

18h00: Après la bande d’annonce de Pacific Rim, un climat d’excitation s’installe dans la salle. Il faut dire que tout le monde s’apprête à voir Avengers, LE succès intersidéral de tous les temps ! Prenez tous mes précédents descriptifs de l’ambiance de la journée et multipliez-les par deux et vous obtiendrez une vague idée de l’effet que produit le film sur le public. De l’apparition de chaque personnage à la transformation de Hulk pendant la bataille finale : la folie ne semble ne plus avoir de limite ! Le brouhaha atteint son paroxysme quand tous les fans se mettent à rugir en cœur la célèbre phrase de Captain America : « Hulk : SMASH ! ».

20h35: Dernière pause avant l’avant-première d’Iron Man 3 ! A 21h30, Monsieur Rex revient titiller notre impatience. Nous apprenons que nous avons la chance de découvrir le film avant les Américains ! (Vous pouvez retrouvez la critique du film ici même !)

21h40: Les spectateurs enfilent leurs lunettes 3D et découvrent la dernière bande d’annonce de Star Trek : Into Darkness. Trois minutes plus tard, l’écran devient noir. Nous y sommes enfin ! Un bref silence règne dans la salle. Il sera balayé quelques secondes plus tard par une nouvelle crise d’hystérie à l’apparition du logo Marvel. Je n’aurai jamais pensé qu’un marathon pouvait faire si mal à mes cordes vocales.

Thibault

Réalisé par Shane Black. Avec Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce & Ben Kingsley. En salles le 24 Avril 2013.
Tony Stark, l’industriel flamboyant qui est aussi Iron Man, est confronté cette fois à un ennemi qui va attaquer sur tous les fronts. Lorsque son univers personnel est détruit, Stark se lance dans une quête acharnée pour retrouver les coupables. Plus que jamais, son courage va être mis à l’épreuve, à chaque instant. Dos au mur, il ne peut plus compter que sur ses inventions, son ingéniosité, et son instinct pour protéger ses proches. Alors qu’il se jette dans la bataille, Stark va enfin découvrir la réponse à la question qui le hante secrètement depuis si longtemps : est-ce l’homme qui fait le costume ou bien le costume qui fait l’homme ?

Les événements d’Iron Man 3 se déroulent un an après ceux d’Avengers. Nous retrouvons un Tony Stark traumatisé par son bref voyage dans l’espace qui avait failli lui couter la vie. Non seulement il ne dort plus, mais il est aussi victime de crises d’angoisse.  Son refuge, il le trouve dans la fabrication de nouvelles armures à laquelle il voue une véritable obsession. Et comme si cela ne suffisait pas, l’un de ses proches se retrouve à l’hôpital après le nouvel attentat du Mandarin, le grand méchant du film. Voilà pour le topo.

Iron Man 3 est un film couillu. Vous aurez beau regarder toutes les bandes d’annonce et les extraits possible, vous serez forcément surpris par le scénario. L’un des rebondissements fera d’ailleurs crier les fans au scandale. Mais cela ne remet pas en cause la qualité du récit. Si vous vous attendez à une histoire sombre, vous vous trompez ! Tony Stark n’est pas au meilleur de sa forme, mais il n’a rien perdu de sa répartie. En face de lui, nous retrouvons une Pepper Potts en très grande forme et à l’antipode des deux premiers volets… Je ne vous en dis pas plus ! Côté méchant, Ben Kingsley assure le show (c’est le cas de le dire) dans le rôle du terroriste qui terrifie les Etats-Unis : le Mandarin.

L’avantage d’Iron Man 3, c’est qu’il nous emmène là où ne l’attend pas. A commencer avec les personnages. Tony Stark bénéficie d’une profondeur bienvenue, ce qui permet au spectateur de ne pas se lasser. Il faut dire que Robert Downey Jr campe le célèbre vengeur depuis quatre films… Mais ce n’est pas tout. Shane Black a pris d’énormes risques en apportant à son film une diversité des genres et de situations qu’on ne soupçonnait pas. Iron Man 3 est censé lancer la phase 2 de l’Univers Cinématographique Marvel (Thor – Le Monde des Ténèbres, Captain America – Le Soldat de l’Hiver, Les Gardiens de la Galaxie, Ant-Man et Avengers 2) et nous avons le droit à un film totalement indépendant !

Clairement, ce nouvel épisode est très réussi. Le rythme est dense et les scènes d’action brillent autant par leur fluidité que par leur ingéniosité (mention spéciale pour le combat final qui est un modèle du genre) ! Le vengeur blindé a encore de belles années devant lui. Espérons que les prochaines productions Marvel seront d’aussi bonne facture. Le défi est de taille !

PS: N’oubliez pas de restez après le générique !
PPS: Vous pouvez retrouvez une discussion autours du film avec Xidius et AntoineBigor dans le dernier numéro de Cloneweb L’Emission !

Thibault

Scénario de Joe Hill. Dessins de Gabriel Rodriguez. Édité par IDW, publié en français par Milady Graphics. 19,90 €, sortie le 22 Mars 2012.
Le manoir Keyhouse se fait champ de bataille. Les enfants Locke découvrent toujours plus de clés magiques dissimulées dans leur ancienne demeure, attisant sans relâche la convoitise du sinistre Lucas Caravaggio. Et si la vie semble malgré tout continuer à Lovecraft, un fantôme du passé ne va pas tarder à réveiller de vieux souvenirs familiaux. Le mystère qui entoure leur père pourrait bien être enfin dévoilé. Si les forces démoniaques ne s’y opposent pas…

On en a largement parlé ici même, chaque tome ayant fait l‘objet d’une chronique, mais il est toujours bon de rappeler à quel point Locke & Key a été une magnifique découverte. Parmi les premiers titres de Milady Graphics, la série était forte de sont scénariste, Joe Hill, fils de Stephen King et lauréat de nombreux prix pour ses nouvelles. Après un premier tome des plus réjouissants, le second tome laissait transparaître quelques réserves sur la durée du concept de clés. Réserves totalement anéanties par un troisième tome grandiose qui asseyait son scénariste comme un nouveau nom important dans l’industrie des comics. Le 4ème tome s’est fait attendre, les ventes de Milady n’étant pas à la hauteur, mais il est enfin là. Et il figure comme la vraie réponse aux craintes soulevées par le Casse-Tête (un tome qui porte bien son nom), après une Couronne des Ombres et sa structure narrative originale, en cela que Hill a conscience des limites de son concept et les exploitent de manière assez géniale dans une structure narrative originale.

En effet, Locke & Key n’est pas une série régulière comme peut l’être Avengers ou Batman. C’est une suite de mini-séries, dont la publication est mensuelle, mais la numérotation ne dépasse jamais le 5ème numéro avant de débuter une nouvelle mini. Si le concept n’est pas nouveau, Hill le pousse à l’extrême en structurant sa mini-série à l’image d’une saison télé. En effet, chaque épisode explore une idée, une intrigue différente, tout en étant liés au autre à la fois en terme d’histoires, de personnages et de style. Ainsi, l’utilisation de ce découpage prends tout sens car chaque mini-série développe du début à la fin une même idée, tout en étant charcutés 5 chapitres différents mais qui ne ressemble pas aux autres mini-séries. L’hommage à Calvin & Hobbes qui ouvre ce 4ème opus en est la preuve tant il concentre à la fois tout le génie de Joe Hill ainsi que celui du dessinateur Gabriel Rodriguez dans un jeu d’hommage et de structure nourrissant sa propre intrigue. Un prologue sous forme de note d’intention, les chapitres suivant ayant leur propre style narratif et abordant chacun un point différents de l’intrigue et de ce flot de personnages pour que tout se rejoigne de manière ultra naturelle dans un final assez dantesque qui mélange tous les enjeux dramatiques de la série et s’achève sur un cliffhanger inattendu et lourd de sens pour la suite. Rare son les thrillers horrifiques en comics, et celui là est un exemple en sons genre.

Et pourtant, on avait des doutes sur Gabriel Rodriguez au début de la série. Ce dernier n’a pas un style qui colle à ce genre d’ambiance. Du moins au premier coup d’œil. Car de pages en pages, le dessinateur chilien s’est révélé maître pour poser cette ambiance ci particulière, froide, teinté d’horreur avec pourtant des personnages touchants et sensibles. Ce 4ème tome peut faire figure de carte visite pour l’artiste tant il réuni toutes les qualités de l’artistes, qui passe d’une scène de tension à une scène d’action ou une scène de dialogue un peu intimiste avec une facilité déconcertante. Il en rajoute en plus avec son hommage graphique à Clavin & Hobbes, dont il arrive à mélanger le genre avec son propre univers pour créer des planches à la fois enfantines (car rappelant l’œuvre originale) et inquiétantes. Sa narration est toujours aussi fluide et efficace, enchaînant les idées de mise en scène toutes plus réussies les unes que les autres. Le duo Hill/Rodriguez est vraiment l’un des meilleurs sur le marché. Espérons qu’à la fin de la série (qui n’est pour l’instant pas prévue, mais gageons que les auteurs seront assez intelligent pour donner une fin cohérente à leur bébé), d’autres éditeurs soient assez intelligents pour leur donner de travail. Parce qu’ils le méritent.

Véritable concentré de talents, la série Locke & Key est un petit bijoux du 9ème art. Thriller horrifique qui n’en fini pas de nous surprendre par sa qualité, ses idées complètement folles et son efficacité incroyable, Les Clés du Royaume est un immanquable. Si vous avez déjà les 3 premiers tomes, il semble évident que vous l’avez déjà dévoré. Si non, c’est l’occasion de découvrir toute la série dans un sublime écrin offert par Milady Graphics, sensible à livrer de la qualité (quitte à en augmenté légèrement le prix) plutôt que de la quantité.

Les Clés du Bigor

Réalisé par Dan Mazer. Avec Rose Byrne, Rafe Spall, Simon Baker et Anna Faris. En salles le 10 Avril 2013.
Depuis qu’ils se sont rencontrés dans une soirée, Nat, jeune femme ambitieuse, et Josh, apprenti romancier, nagent dans le bonheur, malgré leurs différences. Car si Josh est plutôt du genre intellectuel, Nat est une fonceuse. Ce qui ne les a pas empêchés d’être réunis par un coup de foudre réciproque. Leur mariage est idyllique, même si personne – de leurs proches à leurs amis, jusqu’au pasteur qui officie – ne croit qu’il pourra durer… Surtout quand l’ex-petite amie de Josh, Chloe, et le charmant client américain de Nat, Guy, s’en mêlent… Alors que Josh et Nat s’apprêtent à fêter leur un an de mariage, aucun des deux ne veut être le premier à jeter l’éponge. Leur couple pourra-t-il résister aux pressions de toutes parts ?

Enfin une comédie à l’anglaise digne des éclats de rire de Bridget Jones ! Bienvenue dans l’univers de Mariage à l’anglaise, titre français tout pourri qui symbolise nettement moins bien le film que son titre original « I give it a year » (Je leur donne un an, pour les non-anglophones). Le pitch : un couple mal assorti (Nat, jouée par Rose Byrne et Josh, incarné par Rafe Spall), typiquement bobo (mi-bosseur, mi-bohême), et tous leurs copains, persuadés que ce mariage est une trèèèèèèès mauvaise idée. Et forcément, une union qui bat de l’aile au bout de quelques mois à peine.

Rajoutez à cela deux éléments perturbateurs : l’ex-petite amie bombasse devenue meilleure amie à protéger Chloe, qui prend les traits d’Anna Faris (mais si, Cindy Campbell de Scary Movie !!), et le nouveau client sexy trèèèès sexy Guy (Simon Baker, Mentalist et Gentleman made in Givenchy, rien que ça). Bref un scénario un peu classique qu’on a pu voir dans environ 50 000 films, qui se terminent tous de la même façon.

Pourtant, là où Mariage à l’anglaise aurait pu se transformer en film d’amour plan-plan, la petite touche de génie vient de cet humour magique que peuvent avoir nos voisins d’outre-Manche. A coup de gags plus gros les uns que les autres, de blagues plus ou moins potache et de cet accent londonien à tomber. Concrètement : on pleure de rire jusqu’à la dernière scène.

Mariage à l’anglaise fait partie de ses comédies typiquement british dont on est persuadé d’avoir tout vu, tout compris, simplement en ayant vu la bande annonce et lu le synopsis. Mais en fait, non. Loin de là même. Un film à aller voir en laissant de côté ses a priori, qui garantit un bon moment sans prise de tête et plein de fous rires !

Loun

Réalisé par Chris Sanders & Kirk DeMicco. Avec Nicolas Cage, Ryan Reynolds & Emma Stone (VO) et Kev Adams & Bérengère Krief (VF). En salles le 10 Avril 2013.
Lorsque la caverne où ils vivent depuis toujours est détruite et leur univers familier réduit en miettes, les Croods se retrouvent obligés d’entreprendre leur premier grand voyage en famille. Entre conflits générationnels et bouleversements sismiques, ils vont découvrir un nouveau monde fascinant, rempli de créatures fantastiques, et un futur au-delà de tout ce qu’ils avaient imaginé.
Les Croods prennent rapidement conscience que s’ils n’évoluent pas… ils appartiendront à l’Histoire.

Il faut d’abord dire que la promo des Croods ne donnait clairement pas envie. Les bandes-annonces laissaient entre-voir un film pour gamins avec des blagues bas du front qui font rarement effet et des voix françaises, Kev Adams et Bérangère Kiref, qui mettent en avant un choix marketing plutôt qu’artistique (rappelons qu’on a plein de comédiens de doublage en France qui ne travaillent pas malgré leur talent). Pourtant, le pitch permettait d’entre voir l’idée principale du film sous forme de petite révolution idéologique au sein de Dreamworks. En effet, la maison Spielberg avait pour habitude de livrer des films, certes sympathiques, mais rarement transgressifs comme peut le faire Pixar. De Shrek en passant par Madagascar ou encore Megamind, le message sous-jacent reste le même : « reste à ta place, et tout ce passera bien ». Une idée repris par le dernier Disney et qui pouvait quand même choquer.
L’histoire des Croods s’oppose d’emblée à cette idée. Dès les premières minutes du film, la volonté du père de rester enfermer dans sa grotte, laissant planer l’idée que Dehors c’est dangereux et qu’il faut rester à sa place, est tournée en dérision par sa fille qui ne veut qu’une chose : sortir, voyager, découvrir. Puis vient le tremblement de terre qui va pousser toute cette petite famille à bouger, s’enfuir et trouver un autre endroit pour vivre. Dès les prémices de l’intrigue, cette vieille tradition à la limite du réactionnaire est balayée d’un revers de la main grâce à une écriture assez maligne pour offrir à la fois un grand spectacle pour les plus jeunes ainsi qu’un second niveau de lecture presque philosophique.

Et là aussi, certains visuels ou affiches du film pendant la promo laissaient penser à cette direction. Surtout cette affiche. Sans être lourdingue, certains propos sont clairement destiné aux adultes, comme une introduction sublime en mélange de 2D et 3D qui nous raconte purement et simplement l’invention de l’Art et de la peinture. Les questionnements et sentiments des personnages sont aussi extrêmement bien écrits. Car au sein de cette famille et de leurs relations, les scénaristes vont extrapoler à une micro-société. Le rapport aux autres, la découverte de la sexualité (c’est légèrement évoqué, mais ça reste un éléments important de la relation Guy et Eep), l’exclusion, le protectionnisme… Tout ça est broyé, mélangé et digéré pour nous identifier au plus vite et le plus efficacement possible à toute cette galerie de personnages. Mais au delà de cette simple écriture thématique, qui solidifie une intrigue intéressante sur le déracinement, Chris Sanders & Kirk DeMicco n’oublient pas une grande partie de leur public en offrant un spectacle ultra dynamique, fun et drôle.

Car là où l’on se trompait allègrement à cause du montage de la bande-annonce, c’est sur le potentiel humoristique de ce film. Jouant la plus part du temps sur un comique de situation, l’écriture est assez maligne pour rythmer son film de gags ultra efficaces, de petites idées ou de bons mots de ses personnages, sans jamais être cynique. Car il est vite arriver de traiter ses personnages par dessus la jambe, surtout avec cette famille loufoque et surréaliste. Mais les réalisateur ont l’intelligence de traiter leurs protagonistes avec intelligence, leur construisant à tous une sous intrigues (à part peut-être à la mère) permettant d’exister et de former une vraie famille. Des héros qui sont d’ailleurs interprété à la perfection par un casting vocal des plus surprenant. Nicolas Cage y tient peut-être son meilleur rôle depuis des années avec le père de famille Grug (et non, la coupe de cheveux ne peut être comptabiliser dans les nombreuses de l’acteur, désolé). Ryan Reynolds (Guy) et Emma Stone (Eep) sont également excellents et forment un duo assez efficace.
Un beau petit monde plongé la tête la première dans une histoire qui court à mille à l’heure. Car en plus d’être ponctué de gags plus efficaces les uns que les autres, le film regorge de scènes d’action extrêmement dynamiques et bien pensées. Il faut dire que la période à laquelle le film se déroule permet plus de liberté, avec des personnages qui courent vitesse grand V, qui sont assez forts, qui se ramassent gentillement la gueule sans une égratignure. On pourrait penser du coup que le film est sans enjeux car sans danger, mais la menace est plus subtile et réside dans la perte de repère et la fin hypothétique de leur monde. Du coup, dans cette frénésie qui les poussent à sans cesse être en mouvement, fuir ou chasser, les réalisateurs se permettent des folies graphiques et enchaine les idées de mise en scène toujours plus folles.

C’était l’un des gros points noirs de Dreamworks face à Pixar, et force est de constater que ce premier a fait un grand pas en avant depuis quelques films. Comme le dit Jean Victor dans la critique d’Après la Séance (<3), le cinéma d’animation est arrivé à un stade où il est difficile de pousser le réalisme des textures et de l’univers graphique. Si Rebelle est toujours dans cette recherche de détails, Dreamworks prends la direction d’une animation plus cartoonesque et dynamique pour en mettre plein la vue. Ainsi, la caméra est sans cesse en mouvement, pour suivre l’action au plus prêt. En cela, Les Croods est un très bon film d’action, en mettant plein la vue dès les premières scène avec une course poursuite entre un animal, la famille et un autre prédateur rappelant fortement Tex Avery ou Bip-Bip et le Coyotte. Des idées, les réalisateurs en ont aussi eu beaucoup pour le bestiaire du métrage. Faisant découvrir un nouveau monde à ses héros, la découverte est partagé avec le public quant à ses animaux et créatures toutes plus folles les unes que les autres et qui feraient rougir un Pokedex (et Dieu sait que c’est un compliment).
Le tout est accompagné de la magnifique musique d’Alan Silvestri, au top de sa forme depuis le score de Captain America et celui très bon d’Avengers.

Alors autant on pouvait jouer les étonner avec Dragons et Les Cinq Légendes, autant là, difficile de ne pas voir dans l’excellent Les Croods un renouveau pour le studio Dreamworks qui signe peut-être son meilleur film. Au moins le plus généreux, ce spectacle familiale -mais pas que- est à découvrir d’urgence et on attends avec impatience les prochains films du studio, dont Turbo. Dieu sait que le projet donnait pas envie, mais force est de constater que la bande-annonce est plutôt rassurante. Une nouvelle ère signant la domination du marché de l’animation par Dreamworks ? Ce ne serait pas très étonnant…

L’Ère du Bigor

Dirty Projectors – There’s A Fire
Un récent morceaux du groupe de Brooklyn, formé en 2002, et qui malgré 7 albums n’ont toujours pas perdu leur fraicheur pop. On pense un peu à Vampire Weekend, en mieux même. Rien que la partie de guitare vaut le détour.

Sly And The Family Stone – You Caught Me Smilin’
Un très bon cru de 1971, Sly Stone et sa famille célèbrent le funk, à coup de tubes comme « Family Affair ». En fait c’est l’album en entier qu’il convient d’écouter, la soul funk brulante des californiens fait son effet tout le long.

Mount Kimbie – Fields
Les deux anglais qui sont derrière Mount Kimbie peuvent se targer d’avoir capté le meilleur, voire réinventé la dubstep. Ou la post dubstep, on y comprend rien, n’empêche qu’avec James Blake ils ont vraiment su bâtir un univers musical captivant, angoissant mais parfois plus joyeux, « Fields » en est le parfait exemple…

Findlay – Off And On
Un peu d’agressivité dans ce mode de niais, avec le blues inquiétant et nerveux d’une britannique nommée Findley. Ça commence doucement mais ça monte, ça monte, bref un son bien heavy comme on les aime, qui motiverait presque pour sortir un peu même si se les caille sec.

Lou Reed – Coney Island Baby
Une ballade, pas la dernière dans la playlist, pas des moindre non plus. Lou Reed n’a pas vraiment besoin de chanter pour donner une dimension à la chanson, d’ailleurs il se contente de poser sa voix sur le texte, qui fait le reste. Il s’agit du premier morceaux de l’album du même nom, après « Transformer » l’ancien membre du Velvet peut tout se permettre, mais il continue quand même de parler de son New York, comme il le fait si bien.

Isaac Delusion – Waiting
A coup sûr un des groupes des plus prometteurs sur la scène française, l’atmosphère de leur musique séduit déjà à l’étranger, avec seulement 2 EPs sortis. On aurait tout aussi bien pu choisir une autre chanson d’Isaac Delusion, « Midnight Sun » par exemple, tellement leur mélange de folk mélancolique et d’electro doucement funky nous fait oublier le froid et la pluie.

Nina Simone – I Want A Little Sugar In My Bowl
Une chanson pour les dimanches printaniers. Ça sent la fin du week end, mais ce petit jazz plaintif et paradoxalement joyeux peut surement y faire quelque chose. En attendant un peu de sugar dans le bowl.

Gramatik – Swucca Chust
On sait peu de choses sur Gramatik, à part qu’il est slovène, pas vieux, qu’il a une moustache et qu’il aime la sweet mary jane. Mais son immense discographie en dit déjà bien assez. Ceux qui le connaissent ont du noter qu’il utilise toujours la même recette : sample tranquille, qu’importe le style, puis lourd beat hip hop et basse massive. On a une bonne idée de ce qu’une chanson de Gramatik va donner dans les 30 premières secondes. Mais en fait on adore à tout les coups, le producteur s’est surtout fait remarquer pour ses EP « Sreet Bangers Vol. 3″ et « Water 4 The Soul », dont est extrait l’estival et groovy « Swucca Chust ».

Mano Negra – Out Of Time Man
On l’oublie souvent mais avant de devenir l’icône bobo par excellence, Manu Chao était un jeune enragé dans la bande de la Mano Negra. Une sacré équipe, qui savait tout jouer, parlait toutes les langues, et composer des ballades tranquilou à déguster au chaud. Ou en attendant le chaud.

A Tribe Called Quest – Steve Biko (Stir It Up)
Dans la trempe de De La Soul, Leaders of The New School, Das EFX, Beastie Boys, les new yorkais de A Tribe Called Quest ont réussi à faire du hip hop autrement, en y ajoutant des notes jazzy, en mêlant toutes les influences (leur plus gros hit, « Can I Kick It ? », sample Lou Reed), et en sortir du rap intelligent, osé et qui n’avait pas peur de l’autodérision. À mille lieux des clichés bling bling MTV qui inondent plus que jamais les ondes, « Steve Birko (Stir It Up) » donne d’ailleurs pas mal envie d’aller prendre l’air et voir ce qu’il se passe en dehors de son quartier…

Pink Floyd - San Tropez
Eh oui le Floyd a aussi ces ballades jazzy, loins des longs morceaux progressifs et expérimentaux qu’on leur connait. Ici, juste une guitare acoustique, une slide, un piano ,une batterie, la basse et la voix de Roger Waters, façon crooner. Si les vacances étaient une chanson… ça ressemblerait à ça, sans doute.

Inconyto – La Promenade
Soundcloud regorge de beatmakers plus ou moins anonymes, mais qui mériteraient bien de sortir de l’ombre : parmi eux, un rennais, multi- instrumentiste, curieux. Ses samples vont de Gonzales à Erik Satie, en passant par Kurtis Blow, pour des morceaux très variés donc… A écouter absolument « That’s Beaumont », ou bien le péchu « La Promenade », qui pourrait aussi bien être le tube du printemps que de celui l’été ou d’une autre saison ,d’ailleurs.

Beastie Boys – Hey Ladies
Aah les Beastie… Un des meilleurs morceau du meilleur album, que dire de plus ? Toute y est : du funk, du flow, de l’humour, des lyrics de folie, des instrus toujours plus groovy, des samples toujours mieux placés, les inventeurs du rap blanc savaient y faire, pas de doutes. Encore aujourd’hui on a pas vu beaucoup de productions hip hop aussi léchées et variées depuis l’album « Paul Boutique », enregistré à l’apogée musicale du groupe de Brooklyn, en 1989. Sans parler des clips, toujours très bien réalisés et hilarant, comme celui de « Sabotage », « Intergalactic », le meilleur reste celui de « Hey Ladies », ou le groupe comme d’habitude joue le jeu et enfilent leurs casquettes d’acteurs du dimanche.

Flo Filtz - Toori
C’est lui qui définit le mieux sa musique, sur sa page Facebook « Jazz sample based oldschool shit from germany ». Ce beat maker est donc allemand, honnêtement on en sait pas beaucoup plus sur lui, mais sa page Soundcloud regorge de beats mixant jazz et hip hop, comme en témoigne le court mais savoureux « Toori ».

Jay Curry – Clique
Un jeune musicien de Long Beach qui sample du disco asiatique (en tout cas ça y ressemble), dans le cas de Jay Curry, ça donne un son parfait pour …. pleins de trucs, du moment qu’il y ai du soleil. Un autre artiste à suivre sur Souncloud, décidément…

The Congos – Fisherman
Un peu de Jamaique en attendant le soleil, « Fisherman » est le premier morceau du premier album des Congos, « Hearth Of The Congos ». Groupe légende de Kingston, ils forgent leur réputation avec leurs inimitables harmonies vocales, et dégote Lee « Scratch » Perry (encore-plus-légendaire producteur de Bob Marley et d’autres) pour s’occuper du premier essai. Le résultat est donc plutôt saisissant, parfait pour patienter avant le beau temps.

Martha Reeves And The Vandellas – Jimmy Mack
Une friandise soul tout droit venu de chez Motown. Martha Reeves And The Vandellas, un des girls band les plus savoureux qu’ai connu les 60′s, populaire par leur « Dancing In The Streets », repris (et massacré) par Bowie et Mick Jagger 20 ans plus tard. Il suffit de se pencher sur leurs 3 premiers albums, pour se rendre compte qu’ils sont remplis de pépites soul, plus que dignes de l’époque.

Tame Impala – Mind Mischief
La tête dans les étoiles pour 4 min 30. Kevin Parker à son meilleur (on peut se demander s’il existe un pire chez Kevin Parker jusqu’à maintenant), pour ceux qui ne se sont pas rués sur le deuxième opus de Tame Impala., très certainement l’album qui a le plus marqué l’année 2012.

The Animals – Memphis Tennessee
Peut être la meilleure version du hit de Chuck Berry. Un langoureux boogie, servi par un groupe irréprochable, et surtout la plus belle voix du rythm and blues britannique, celle d’Eric Burdon (qu’on a pu entendre à la fin du récent « Skyfall », sur la reprise de John Lee Hooker « Boom Boom »). En tout cas ça donne bien envie d’aller se réchauffer du côté de Memphis, Tennessee.

Nico - These Days
Vous avez aimé l’album « The Velvet Underground And Nico » ? L’actrice/mannequin/chanteuse germanique remet ça le temps d’une chanson composée par Jackson Browne, pour son premier album solo, « Chelsea Girl », sorti en 1967. Cette ballade est chère aux amateurs de Wes Anderson, puisqu’elle accompagne une des meilleurs scène de « La Famille Tenembaum ».

Léo FERTÉ

Scénario de Brian K. Vaughan. Dessins de Fiona Staples. Édité par Image Comics, publié en français par Urban Comics. 15,00€, sortie le 15 Mars 2013.
Un univers sans limite, peuplé de tous les possibles. Une planète, Clivage, perdue dans la lumière froide d’une galaxie mourante. Sur ce monde en guerre, la vie vient d’éclore. Deux amants que tout oppose, Alana et Marko, donnent naissance à Hazel, un symbole d’espoir pour leurs peuples respectifs. L’espoir, une idée fragile qui devra s’extraire du chaos de Clivage pour grandir, s’épanouir et conquérir l’immensité du cosmos.

On connait l’amour de Vaughan pour les grandes séries qui prennent leur temps pour se développer mais qui ont toujours une fin de prévue (Y Le Dernier Homme, Ex Machina). Pas étonnant donc qu’il ait choisi comme nom de sa nouvelle série Saga. Dès le début, le scénariste annonce la couleur: il va nous raconter une grande épopée aux multiples personnages, aux multiples intrigues et surtout aux multiples tons. Car ce qui étonne dès les premières pages assez «choc», c’est ce mélange de tons constant et qui pourtant ne gênent pas les enjeux ou l’intérêt de l’intrigue. Le contexte dans lequel sont ses personnages n’est pas des plus joyeux ou idyllique et pourtant ils gardent un sens de l’humour assez cru. D’autre part, certaines situations sont du domaine de l’absurde avec pourtant des personnages assez premier degrés. Une volonté de ne pas rester dans un genre (dramatique, absurde) et d’inscrire son histoire et ses personnages dans un cadre plus large. Un cadre matérialisé par cet univers décrit, mais pas trop, en quelques pages et qui semble des plus passionnants. Prenant un conflit entre une planète et sa lune (presque mythologique tant il semble reprendre certains éléments de conflits existants) comme base des enjeux cosmiques qui planent sur l’univers, il va s’intéresser au destin de quelques personnages isolés, pions ou au contraire électrons libres, au sein de ce grand dessein. Une écriture jouant avec une facilité déconcertante sur les échelles et les thématiques afin d’à la fois toucher à l’imaginaire et au personnel, à l’instar du tout premier Star Wars.

Car les limites du possible de l’univers de Saga ne sont jamais vraiment posé. En cela, la narration de Vaughan est brillante car, si elle reste tout de même omnipotente, elle jongle entre plusieurs personnages à la fois. Certes, elle aborde en majeur partie le point du vue du nouveau né, symbole fort de ce conflit, nous racontant ses premiers mois de survie avec ses parents, mais elle prends des libertés pour jouer avec les attentes. Une narration qui joue avec la poésie dans la forme des paroles du bébé mais également avec la temporalité. Il parait évident que la jeune fille qui nous parle a un certains recule sur la situation et permet de créer du suspense avec très peu de chose. Au delà de l’aspect technique de son écriture, qui donne sa solidité et son rythme efficace au récit, c’est dans son écriture thématique et personnelle que Vaughan brille réellement. Ce dernier aborde aussi bien la parentalité que le lien entre les générations, en passant par l’amour, l’injustice, la frontière entre bien et mal, les différents rapports au pouvoir… Tout ça se mélange sans pour autant se parasiter.
La galerie de personnage y est pour beaucoup dans l’impact qu’on le traitement de ses thèmes, car ceux-ci sont terriblement humain malgré leur aspect extra-terrestre. L’identification au couple principal est presque immédiate. Censé être des figures archetypale (difficile de ne pas penser à Roméo/Marko et Juliette/Alana), elle sont transcendées par une écriture et des dialogues criant d’humanisme. Le couple n’est pas parfait, il n’a même pas consience d’être un symbole de rebellion et pourtant l’est. Ils doutent. Ils échouent. Ils réussisent. L’impression que Vaughan veut toucher à un spectre d’émotion des plus larges est constante pendant toute la lecture de ce premier tome. Une humanité consolidée par l’incroyable Fiona Staples.

L’artiste canadienne n’a pourtant pas fait grand chose de marquant avant. Non pas par la qualité de ses dessins, mais par la visibilité que ses séries avaient. Elle a commencé en 2005 et les seules « grosses » séries sur laquelle elle a travaillé sont North 40 (une série limitée chez feu-Wildstorm) un one-shot sur Northlanders et le numéro 66 de Jonah Hex. Rien de bien marquant qui s’apparente plus à un travail de bouche-trou. Pourtant, ici, elle se révèle totalement tant ses planches sont impressionantes. De par son trait et son style déjà. L’artiste donne vie à toutes les créatures qu’elle dessine. Son trait est assez marqué et reconnaissable. Le design des personnages est très efficace, avec des expressions très crédibles. Réalisant également les couleurs, elle joue avec la température de celles-ci en jonglant constament entre le chaud et le froid pour créer diférentes ambience et rendre crédible, beau ou terrifiant ce large univers, selon les volonté du script. Un script qui se veut dynamique, et qui l’est encore plus avec le travail de Staples. le story telling est extrêmement fluide, les 6 épisodes qui compose ce premier tome file à toute vitesse avec un découpage intélligent et quelques rares grandes planches ou doubles absolument magnifique. Et c’est sans parler de ses couvertures, qui ici ouvre chaque chapitre, et qui joue sur des couleurs vives et une présentation graphique des personnages absolument magnifique.

Un travail respecté et mis en valeur par l’édition d’Urban Comics. Desireux de proposer la série de la meilleure des manières, à l’image des américain et de leur prix battant toute concurrence, ils ont opté pour un grand format, le même que celui des Deluxe. Les planches de Staples peuvent ainsi être appréciées à leur juste valeur, avec un papier glacé de qualité. La pagination laisse peu de places aux bonus (168 pages, dont le premier épisode qui en fait 40) mais le prix proposé défie là aussi toute concurrence en France. L’éditeur fait encore une fois preuve de leur amour pour le comics, et ça fait quand même sacrément plaisir.

Saga est une magnifique série. Intelligente, prenante, touchante, sublimant mis en image. Un futur (si il ne l’est pas déjà) grande série, qui, on l’espère, trouvera son public et durera le plus longtemps possible sans s’essouffler. Mais on a quand même très peu d’inquiétude là dessus, tant l’univers est vaste et ne demande qu’à se dévoiler. Bref, ce premier tome de saga est une petite tuerie et vous feriez bien de vous jeter dessus.

B, The Last Bigor

Milady Graphics fait son grand come-back ! Après des rumeurs parlant de fin de label, la division comics de Bragelone fait son retour avec de toutes nouvelles éditions reliés pour l’une de leurs meilleures séries : Locke & Key ! Largement mis en avant ici-même (avec les chroniques du tome 1, du tome 2 et du tome 3), cette série écrite par Joe Hill (écrivain plein de talent et fils de Stephen King) et dessinée par Gabriel Rodriguez est un pur chef d’œuvre, mélangeant chronique familiale avec codes de l’horreur et un sens de rythme assez incroyable. Graphics sort, ce 22 Mars, le 4ème tome ainsi que les 3 premiers dans une nouvelle édition réliée, cartonné ! A l’occasion, on vous propose de gagner les 4 tomes de la série afin de la découvrir et de l’apprécier dans sa juste valeur !

Pour participer, rien de plus simple:
- Répondez à la question suivante par mail à bigorneau33@gmail.com (avec votre nom/prénom/adresse/compte twitter)

« Pour quelle autre série chez l’éditeur américain IDW Joe Hill est co-scénariste avec Jason Ciaramella ? »

- Doublez vos chances de gain en tweetant le message suivant (et vous pouvez followez toute la team du site, mais c’est juste pour le plaisir ça nan ?)

« Je participe au concours Locke & Key d’@AbsoluteZone absolute-zone.com/2013/03/18/concours-locke-key/ avec @MiladyFR » 

Le concours se terminera le 22 Mars à 12h00. Attention, aucun mail/tweet ne sera pris en compte au delà de ce délai. Les résultats seront communiqués Lundi dans la journée. Une participation (un mail + un tweet) est acceptée par personne.

Bonne chance à tous !